La cantera de artistas suizos no se agota: URS FISCHER y OLAF BREUNING pertenecen a una nueva generación que ya ha dejado atrás a la de UGO RONDINONE y PIPILOTTI RIST, aunque también es cierto que todos ellos tendrán siempre como referente al maravilloso dúo FISCHLI & WEISS.

Ya habíamos hablado de Olaf Breuning en un anterior post, En el caso de Urs Fischer hay que mencionar que acaba de clausurarse una gran exposición en el New Museum de Nueva York que lo ha proyectado como uno de los artistas más significativos del panorama mundial actual pese a su juventud.

La práctica artística de Urs Fischer se basa en el estudio de los misteriosos mecanismos de la percepción humana, en la alteración de la naturaleza de las sustancias y los objetos más comunes y sus inesperados procesos de interpretación por parte del espectador.
...Y en este momento, usted (inteligente lector de este blog) estará pensando que en realidad no inventa nada nuevo, que hay muchos artistas que desarrollan sus planteamientos en estos mismos términos.
...Pues sí, es cierto, aunque en el caso de Fischer lo novedoso estriba en la espectacularidad, monumentalidad y fuerza visual de sus trabajos.

Ha excavado cráteres en los suelos o abierto grandes huecos en las paredes de galerías y museos generando nuevas vistas al sorprendido espectador, ofreciendo nuevas maneras de observar estos espacios arquitectónicos. Ha dado vida artificial a objetos cotidianos como sillas, muñecos o simples pepinos. Todos estos trabajos están concebidos en un lenguaje basado en la combinación de una inmediatez pop con un estilo neo-barroco del gusto por el absurdo.


ERIC FISCHL, Otro artista más de los 80’

Confesamos haber sentido devoción incondicional en su momento por las pinturas de Eric Fischl, que fue uno de los máximos exponentes en lo que se llegó a denominar realismo posmoderno. Protagonizó la escena artística neoyorkina de los ochenta y rivalizó con Julian Schnabel y David Salle.

Sus pinturas de entonces representaban tórridas y angustiosas escenas basadas en los aspectos más retorcidos de las relaciones humanas. Nos llamaban profundamente la atención aquellos cuerpos desnudos bañados por la luz tamizada a través de las ventanas de una sórdida habitación de hotel y que mostraban impúdicamente los oscuros mecanismos por los que se mueve el deseo o el sexo.

Ahora Eric Fischl expone en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga y reflexiona en torno al tema, bastante manido por cierto, de la ambigua y supuesta relación de amor, seducción y muerte entre el toro y el torero. En cuanto a la temática desarrollada es evidente que no descubre nada nuevo pero el caso es aún más triste si observamos cómo este argumento se plasma en unas pinturas insubstanciales y nada sorprendentes desde el punto de vista formal.



Reinhard Mucha surgió a mediados de la década de 1980 como una figura principal en un nuevo movimiento de arte europeo de carácter conceptual y reflexivo que rompió definitivamente con la hegemónica sensibilidad posmoderna traducida en las lamentables y anacrónicas pituras al más puro estilo ancestral propias de aquella loca década.
Construyó objetos realizados con los materiales encontrados en los propios espacios expositivos en los que intervenía realizando artilugios que ponen en cuestión los sistemas de visualización de arte. Objetos subordinados al servicio de la percepción tradicional de la obra de arte (como pedestales, vitrinas, o sistemas de alumbrado) se convierten en elementos protagonistas y, por tanto, susceptibles de ser concebidos con entidad propia como objeto artístico. De esta forma se produce un proceso de inversión en la relación entre la obra de arte y su soporte expositivo que nos parece sencillamente genial.
En su mítica obra El problema del fondo y de la forma en la arquitectura del barroco nos planteó una serie de complejas reflexiones en torno a la presencia de la obra de arte en relación al ámbito espacial que ocupa. Reinhard Mucha ha explorado en su obra las formas en alusión a la arquitectura y los espacios construidos, en este sentido, investigó un sentido de soledad y pérdida manifiesta a través de referencias a los espacios de vida y la ausencia.
…Y es que es innegable que ante una obra de Mucha no podemos evitar sentir una desoladora y fría emoción de melancolía.


La Colección Pinault se instala en su nueva sede de la Punta della Dogana en Venecia y se inaugura aprovechando el acontecimiento de la 53 Biennale. El edificio, antigua aduana que hasta ahora se encontraba en un lamentable estado de anbandono, ha sufrido una importante remodelación a cargo del arquitecto japonés TADAO ANDO para convertirse en un maravilloso centro de arte contemporáneo.
La exposición que acoge esta inauguración se titula Mapping the Studio y se concibe con la esperanza de transmitir el sentido de la vitalidad y la inquietud que ha sido parte integrante de la colección de François Pinault lo largo de los años, La muestra plantea una analogía entre la creatividad y la intimidad de la artista en su estudio y la del coleccionista profundamente apasionado por la obra de arte.
Este creativo parentesco sirve como punto de partida para un diálogo entre las obras de artistas consagrados y los de una generación más joven.
La exposición se compone de unas 200 obras de una colección que consta de más de 1200 piezas y nos presenta a todos los artistas fetiches de este coleccionista: MURAKAMI, KOONS, SCHERMAN, CATTELAN, POLKE, PRINCE, MCCARTHY… a ellos se les unen otros nombres de primera linea como SASNAL, FISCHLI/WEISS, KELLEY, TUYMANS, KIPPEMBERGER, GOBER y un larguísimo etcétera de figuras consagradísimas. Logicamente echamos en falta la presencia algunos artistas más jóvenes o alternativos en esta exposición.El precio escandalosamente excesivo: 20 € más 3€ por usar el obligatorio servicio de guardaropa ¿es que quizás pretende el señor Pinault que el público sufrague los gastos de las adquisiciones de unas obras de arte sobrevaloradas?


Una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Europa se encuentra en Lisboa y tiene su sede principal en el maravilloso edificio que alberga el Museo Berardo en Belem.
En esta ocasión, aprovechando los fondos de esta colección, se ha organizado la exposición ARRISCAR O REAL, comisariada por Larys Frogier y cuyo propósito es indagar en las posibles influencias e interferencias entre el arte minimalista y performativo de los años 60/70 y los artistas más jóvenes pertenecientes al panorama artistico actual. La exposición incide en el concepto de la relación entre el significado de lo real y lo figurativo en contexto del espacio.
De esta forma podemos encontrarnos las correspondencias existentes entre obras de los más característicos representantes del nuevo realismo eurpoeo (LUCIO FONTANA, PIERO MANZONI, YVES KLEIN) y su insistencia obsesiva en la indagación de las propiedades estéticas de elementos cono el "vacío" o la "nada". El minimalismo cásico americano de los 60' (CARL ANDRÉ, DONALD JUDD, DAN FLAVIN) entendido como una exploración de las posiblidades del espacio como verdadero elemento protagonista en el desarrrollo del discurso artístico. En otro sentido, artistas de una o dos generaciones posteriores también usaron el espacio como componente fundamental en sus prácticas artísticas como las instalaciones de JUAN MUÑOZ o las pinturas invertidas de GEORGE BASELITZ. Finalmente nos encontramos con la ironía marcada por el escepticismo que caracterizó los 90 (JEFF KOONS) contrastando con el nuevo activismo social representado por artistas jóvenes de la escena más actual como ADEL ABDESSEMED.


OLAF BREUNING es uno de los nuevos artistas bizarros de la escena más interesante del arte que se está gestando actualmente en Nueva York. La parodia, la crítica sarcástica y un talante enormemente friki son los ingredientes que se reúnen en la obra de este artista suizo residente en Nueva York. Los absurdos artísticos, las contradicciones culturales y el mundo de las subculturas contemporáneas son los temas recurrentes que desarrolla con un fabuloso sentido del humor aunque a veces este humor sea un elemento que invite al espectador a descubrir y a reflexionar sobre amargas realidades que subyacen bajo los tópicos que percibimos como referencias mediáticas globales. En otros casos Olaf Breuning aparece interpretando sus propios personajes que suelen ser patéticos, en este sentido, deberíamos interpretar que él, en su papel de artista, se ríe de sí mismo aunque nunca sabremos si en realidad esta burla va dirigida realmente hacia él mismo, al espectador o al mundo del arte y la cultura en general.

Muy recomendable su web oficial: http://www.olafbreuning.com





Antonio Cabrera se afincó en Londres hace más de 10 años, desde entonces su obra ha conseguido despertar el interés de galeristas, críticos y comisarios. Compañero de actividades (y también de alguna que otra juerga ¿por qué no decirlo?) de Tracey Emin y Sarah Lucas es el único español perteneciente al controvertido y selecto grupo de los YBA (Young British Artists)

(http://en.wikipedia.org/wiki/Young_British_Artists).

Resulta paradójico observar que para la mayor parte de la crítica especializada británica la obra de Antonio cabrera se vincula al universo de lo siniestro y al gusto por lo macabro que ha caracterizado ancestralmente a la cultura y arte hispanos a lo largo de su historia (desde Valdés Leal, Goya o Picasso hasta los más recientes Juan Muñoz o Santiago Sierra), sin embargo nosotros consideramos que existe un mayor número de componentes que conforman las verdaderas claves para comprender en su totalidad la complejidad su obra.

Por un lado, su característico desgarrador humor negro se convierte en un elemento fundamental en la elaboración su discurso, hecho que lo relaciona con un gran número de artistas británicos de las últimas generaciones como Damien Hirst, los hermanos Chapman o Noble & Webster. Por otro lado, su turbio y enigmático universo iconográfico en el que indaga en los aspectos más oscuros y retorcidos del alma humana lo entroncaría directamente con la más pura tradición tenebrista hispana.

De cualquier manera Antonio Cabrera es un artista muy representativo de las nuevas generaciones propias del siglo 21, con intereses que abarcan todas las áreas, influenciados por múltiples experiencias y acostumbrados a utilizar todos los medios a su disposición en la creación artística.

http://antoniocabreraart.blogspot.com



ANTONI MUNTADAS

TRANSBUTANORINSK


Antoni Muntadas es una de las primeras figuras del videoarte a nivel mundial pero a él le ocurre como a Juan Muñoz o Santiago Sierra que, teniendo un amplísimo reconocimiento y prestigio internacional, dentro de nuestras fronteras es sólo conocido en los reducidos círculos del arte contemporáneo.
Por edad se le podría encuadrar en una generación intermedia entre Nam June Paik y Bill Viola aunque su discurso es totalmente actual y vigente. Interesado en los mass media, en la sociedad de la sobreinformación, la televisión, internet, la publicidad, la censura y la manipulación informativa. En la actualidad sus trabajos se enmanrcan dentro de la serie "On Traslation" en los que reflexiona en torno al concepto del flujo constante de personas y de ideas en un mundo globalizado desde una perspectiva crítica que abarca aspectos culturales, lingüísticos, políticos y económicos.
Ha expuesto varias veces tanto en la Documenta de Kassel como en la Bienal de Venecia, premio nacional de artes plásticas en 2005, profesor de arquitectura e ingeniería en varias universidades de Estados Unidos, Australia e Italia.
Aún así, en España Muntadas es un auténtico desconocido, ¿no vivimos en un país algo paleto?

ARTUR ZMIJEWSKI

TRANSBUTANORINSK


ARTUR ZMIJEWSKI, radicalidad para una causa social.

No ocultamos el hecho de que este controvertido artista polaco es uno de nuestros predilectos. Es de agradecer que en este panorama artístico que nos toca vivir tan convencional, previsible y cansino surjan artistas (como T. Margolles, T. Bruguera, S. Sierra, o él mismo) con propuestas radicales a modo de auténticas bofetadas que nos despiertan del estado de somnolencia mental en el que nos encontramos y nos introducen en el espinoso mundo de la realidad social contemporánea.

Artur Zmijewski ya nos deslumbró en la última edición de la DOCUMENTA con una original propuesta en la que una banda coral compuesta por sordomudos interpretaban distintas piezas de Bach. Esta interpretación no era precisamente perfecta ni mucho menos pero entonces habría que cuestionarse cuáles son los verdaderos criterios auditivos de la mayoría de la población oyente y en base a qué circunstancias pueden estar condicionados. En otras obras Artur Zmijewski nos presenta con la mayor naturalidad cuerpos de personas mutiladas o discapacitadas y nos hace reflexionar sobre quiénes son realmente los mutilados o discapacitados.


ANNA AND BERNHARD BLUME

TRANSBUTANORINSK


ANNA Y BERNHARD BLUME

Herederos de la escuela de Düsseldorf, se convierten en la antítesis de otro legendario matrimonio de fotógrafos alemanes (B.y H. Becher). A diferencia de éstos, los Blume dotan a sus obras de un fino sentido de la ironía creando un accionismo satírico crítico. Se puede decir que los Blume son a Beuys y Fluxus lo que Paul McCarthy lo es al accionismo vienés, es decir, suponen un punto de inflexión en la concepción de la práctica artística: frente a la postura trascentalista de aquellos, los Blume (y de forma más radical aún McCarthy) mantienen una actitud escéptica y se apoyan en la ironía y el humor para plantear su argumentación artística. No cabe duda de que este hecho supone un rasgo de modernidad y un paso evolutivo con el que enlazan las generaciones más jóvenes de artistas.

Todo esto se hace palpable en unas obras que consisten en fotografías de gran formato en blanco y negro organizadas generalmente en varias piezas combinadas y dispuestas bajo un impecable sentido de la composición, generando una idea del ritmo y el movimiento realmente sorprendentes. En estas fotografías los propios artistas son los protagonistas de unas divertidas puestas en escena interaccionando con distintos objetos que van desde piezas minimalistas de Sol Lewitt a simples patatas para crear unas disparatadas acciones.